Masculin Fémenin

Íbamos a menudo al cine.

Nos estremecíamos al
ver la pantalla.

Pero la mayoría de las veces
al final nos decepcionaba.

Las imágenes iban y venían
y Marilyn había envejecido.

Estábamos tristes. No era
la película que soñábamos.

I'm Here

Spike Jonze, siguiendo su fiel estilo entre lo hipnótico y el videoclip, hace que volvamos a creer en el cine con I'm Here, aunque sea por solo 30 minutos. Con "Donde viven los monstruos" volvimos a ser niños durante 1 hora y media, ahora con este regalo en forma de mediometraje volvemos a creer en el amor bajo una estética futurista y robotizada, pero a su vez más humana que nunca.

Ambientada en una sociedad donde humanos y robots conviven pacíficamente, éstos últimos tienen algunas límitaciones como dedicarse a trabajos que el ser humano ya no desea hacer o bien no poder conducir automóviles, tal y como protesta una mujer humana desde la parada del autobus. Pese a esa carcasa de metal y cables, que los identifica y limita ante la sociedad, existe una ilimitada capacidad de sentir y de amar, y así nos lo demuestran nuestros protagonistas. Pasean por el bosque, hacen tonterias, van a un concierto y se cruzan miradas comprometedoras, tal y como lo haría una pareja que se impregna de esa sensación antes desconocida, con cierto temor ante lo nuevo pero dejandose llevar por la mgia del momento.

Les Enfants du paradis

- "Y ahora...¿Estás triste?"

- "No, pero tampoco estoy alegre.

...En la caja de música
se ha roto un muellecito.

...El aire sigue siendo el mismo,

...pero la música ha cambiado."

Le Petit Soldat

"Es extraño, hoy todo el mundo detesta a los Franceses.

Yo me siento muy orgulloso de ser francés.
Pero también estoy en contra del nacionalismo;
uno defiende ideas, no territorios.
Amo Francia porque amo las películas de Bellay...y de Luis Aragón.
Amo Alemania porque amo Beethoven.
No amo Barcelona a causa de España...
pero amo España porque una ciudad como Barcelona existe."




pd. sigo con Le petit soldat, con Godard y con este genial monólogo final..

Le petit soldat

- ¿Por qué no dices algo?

- No sé que decir.

- Dime mentiras. Di que no estás triste de que me vaya.

- No estoy triste de que te vayas...

...No estoy enamorada de ti.

...No me reuniré contigo en Brasil.


...No te besaré tiernamente.

JLG

Kagemusha

La representación del fin de un ciclo para la entrada de otro nuevo; en esta película Kurosawa se despide del estilo que lo convirtió en uno de los grandes del cine, cual era samurai se acaba con la entrada de la pólvora, y ve que sus katanas, estandartes y filosofia ya no sirven. Esto es lo que nos enseña Kagemusha, el fin de una era de la cual Kurosawa era un gran admirador, aunque desde una óptica distinta a la que todo seguidor suyo puede estar acostumbrado; esta vez no focaliza la historia en el gran heroe samurai, normalmente encarnado con Toshiro Mifune, sino que el centro radica en el grupo, en los batallones que van y vienen a lomos de caballos (otro guiño a una de las pasiones de Kurosawa) para conquistar el castillo del clan rival. Es dificil, por ello, situarse o identificarse con algo, pues no hay ese personaje con el que el espectador pueda empatizar y "sentirse cómodo" dentro del film, además de suponer un pequeño caos de nombres y clanes que se entremezclan, con lo cual puede crear confusión en determinados momentos.

Aunque la puesta en escena sea brillante, cuidando absolutamente todos los planos y detalles, se puede detectar la occidentalización que ha sufrido "gracias" a la producción por parte de Coppola y Lucas (admiradores declarados del director nipón) que no hace mella en la calidad, sino que le da otra tonalidad que es, cuanto menos, interesante de ver.

Le Mépris

"- He estado pensando que

Camille me podría dejar.

Pienso en ello como

un posible desastre.

Ahora el desastre ha ocurrido.

Antes, todo ocurría como en una nube de inconsciencia,

de complicidad.

Todo se cumplía con una espontaneidad rápida, loca,

encantada.

La conducta de Camille ya no era espontánea, ni la mía.

¿Podría ahora, ser víctima de mis excitados sentidos, observar su gesto frío,

como ella podría sin duda observar el mío?

Ella parecía ser consciente que

una mentira podría resolver las cosas.

Al menos por un tiempo.

Al menos en apariencia." JLG

Koyaanisqatsi*

Apartentemente, y tras media hora de visionado, este documental no pasaría de ser uno de entre otros muchos que pretende enfocar la explotación del hombre sobre la tierra, dando el ya tantas veces repetido mensaje de "salva el planeta verde", con tal de ganarse al publico con esa intención moralizadora. Primero mostrando lo espectacular y lo bello de parajes naturales y virgenes (que se agradece, pues las imagenes lo valen) para hacer luego el giro directo hacia la sobreexplotación de los recursos naturales por el hombre; fábricas, contaminación y destrucción.
Por el momento dejaremos lo que podría entenderse como un truco efectista que busca más sorprender y concienciar al espectador ante tal amenaza, pues a partir de aquí el film va mucho más allá, y aquí estriba lo que para mi es el valor auténtico de la película, acercandose más al documental social, mucho más sutil y mucho más cerca, tan cerca que resulta casi inapreciable para la vista. Usando la analogía entre ciudad y un microchip, mostrando la ciudad como el circuito cerrado donde todas las conexiones (humanas) son dirigidas a un punto determinado e invariable, sin posibilidad de elección ni salida. Levantarse, comer, trabajar en una cinta de montaje, jugar a los videojuegos, volver a comer y dormirse. Ese es el circuito cerrado de tantas personas que viven en la ciudad-microchip, conviertiendo vida en rutina; individualidad en inconsciencia. A pesar de ello, algunas pobres víctimas llegan a descubrir la triste realidad en que están encerrados, a ellos sólo les espera el vacío, las miradas perdidas, desasosiego, la desesperación y hasta la muerte. De esta forma, tal inconsciencia pasa a convertirse en algo medicinal, dejandonos vivir en una feliz ignorancia ante el inevitable proceso de autodestrucción en el que estamos sometidos.

A destacar; muchos planos, de una belleza extrema, entre ellos, el plano final del cohete, es dificil no acabar extasiado con dicha secuencia, que recuerda a la de 2001, en forma e intención. También, destacar la música, es una maravilla, quiza demasiado presente, lo que le otorga demasiado peso a lo largo de la película.




*1. vida loca. 2. vida en tumulto. 3. vida en desintegración. 4. vida desequilibrada. 5. una condición de vida que clama por otra manera de vivir.

La soledad del corredor de fondo

"Correr siempre ha sido muy importante en nuestra família, sobretodo para escapar de la policía . Es difícil de entender, todo lo que sé es que hay que correr. Correr sin saber por qué a través de bosques y campos, y correr sin una meta, aunque la gente te esté vitoreando. Esa es la soledad que siente el corredor de fondo. " Así se nos presenta una de las obras más emblemáticas del free cinema inglés, buscando en todo momento la realidad de lo cotidiano e intentandose alejar en todo momento de la artificiosidad del cine de Hollywood de los años 50.
Colin Smith, nuestro protagonista, también desea alejarse de una sociedad que en todo momento le empuja a integrarse en ella, y es por ello que su unica via de escape será corriendo, vacíando así su mente y poder sentirse libre.
Feroz crítica a la sociedad del exito, que postula que toda carrera tiene una meta y para llegar a ella tienes que correr y esforzarte más que los demás. Si lo consigues, serás vitoreado, sino, serás olvidado. Nuestro inadaptado héroe siente que los vitores no son para él, sino clamores para que forme parte de esas víctimas del sistema. Es por ello que renuncia a esa meta y a todo objetivo en la vida, como Antoine Doinel en los 400 golpes, y así poder correr libre...y solo.

Expiación

...o como hacer cine romántico sin acabar cayendo en la ñoñería, presentando una puesta en escena muy cuidada y una banda sonora en todo momento en sintonía con la imagen. La película gira en torno al terrible e irrevocable error Briony Tallis, una futura escritora de 13 años que, influida por su gran imaginación, ve e interpreta como si ella misma viviese su propia novela. Tallis deberá vivir el resto de su vida condicionada por ese cargo de conciencia y deberá actuar en consecuencia para el bien de los demás. Finalmente será esa imaginación, que hasta entonces fue su perdición, lo que hará que se redima ante las personas que tanto daño les hizo y quede por fin libre de cargo.

A destacar el plano secuencia de la playa que, aunque Joe Wright se sobrepasa, como queriendo presumir de hacer algo realmente complicado (aunque ni mucho menos esto implique que sea bueno), hay que reconocer que no sólo está bien hecho sino que se ajusta perfectamente a la intención del director, es decir, reflejar la miseria de la guerra en una sola toma, sin dejarte apenas parpadear.

La vida de los otros

"¿Puede un hombre escuchar esta música, escucharla de verdad, y ser una mala persona?" dice Dreyman haciendo referencia a "La sonata de un buen hombre". Sensibilizarnos con la música hace que nos sintamos un poco más humanos y, por tanto, tendamos menos al mal, pues ese humanismo estriba en el bien común. Es el caso de Dreyman que, después de suicidarse su mejor amigo, se dota de ese humanismo que carece el sistema totalitarismo de la RDA y por eso se jugará la vida por ese bien común y por la libertad de expresión . Paralelamente tendremos a Wiesler, agente implacable y solitario de la Stasi, cuyo objetivo será desenmascarar a nuestro protagonista, aunque, viendose salpicado por esa dosis de humanidad, sufrirá también una transformación interior que le hará tambalear sobre su intachable trayectoria de espionaje.

Película muy aclamada en su estreno, que recuerda a la grandiosa película de Coppola, "la conversación", resulta interesante de ver para conocer la realidad de la RDA y el control que ejercía la Stasi sobre el pueblo alemán. Personalmente no la consideraria como la gran película que resulta ser, donde lo que destaca más es la actuación (o no actuación más bien dicho, pues la inexpresividad es su principal virtud) de Ulrich Mühe.

Killer of Sheep

Cuando pensamos en los EEUU a veces nos viene a la cabeza la tan conocida frase de "la tierra de las oportunidades", el self made man (hombre hecho a si mismo), donde cualquier persona, sea de la clase social o racial que sea, puede llegar a triunfar.Y esa acostumbra a ser la tónica de las películas que nos llegan desde ese país, pues hay que darse buena publicidad. Pese a ello, la realidad que nos muestra Charles Burnett en The Killer of Sheep es otra bien distinta. La película se centra en un barrio pobre de afroamericanos donde vive nuestro protagonista, el "killer of sheep", pues dedica su vida trabajando en un matadero para mantener a su família humildemente. Para él no existe esperanza o oportunidad de salir de esa pobreza, tan sólo el día a día hasta que llegue el día de su muerte, igual que las ovejas esperan día a día hasta que llegan al matadero, sin posibilidad alguna de salida.

A destacar una de las secuencias más memorables de la película y que haya visto en mi vida en el cine:

http://www.youtube.com/watch?v=Dd0ZkEuXhes

En ésta, la hija canta con esperanza en los labios a ritmo de soul, es pequeña y aún no es consciente de la realidad que le cierne. Por otro lado, la madre se la queda observando con una de las miradas más fulgurantes que ha existido en el cine, incluso superior a la de Chaplin en el final de Luces en la ciudad. Esa mirada habla por si sola y nunca miente, transmite amargura e ilusión a la vez; ilusión por el rayo de esperanza que esta contemplando y amargura porque tal esperanza e ilusión acabarán desvaneciendose irremisiblemente.

Bananas

"De pequeño robé un libro pornográfico escrito en braille. Llegué a borrar los párrafos más verdes de tanto pasar los dedos por encima." Éste y muchos más son los pequeños destellos de humor que la mente de Allen ya empezaba fraguar en Bananas, uno de sus primeros trabajos. Si bien es cierto que aparecen esas notas de ingenio tan características de su cine, también hay otros gags que no acaban de estar a la altura, hasta caer un poco en el ridículo, pero que se le perdona pues su trayectoria era aún muy verde y su estilo poco definido.

Pese a tan temprano trabajo, ya se pueden ver rasgos típicos de su cine, como la obsesión por el mundo judío y por el sexo o la caracterización neurótica que adquiere Allen como actor. También podemos encontrar muchas referencias al cine mudo como la secuencia donde prueba la máquina para trabajar y ejercitarse (recordando a Chaplin en Tiempos Modernos) o bien la secuencia del metro (con cameo incluido de Sylvester Stallone).

En definitiva, es una película entretenida (ideal para desconectar) en la que ya podremos reconocer el estilo inconfundible de uno de los grandes cineastas de humor americano.

Woman is the future of man

En las películas de Hong Sang-soo hay algunos temas que son muy recurrentes a lo largo de su filmografía, hasta el punto en que a uno puede parecerle que esta viendo la misma película con distintos matices. Por ejemplo, el actor que hace de director de cine fracasado, que prolonga dicho fracaso profesional en el campo amoroso, puede que porque tenga una concepción más idealizada o platónica del amor. También son muy frecuentes las situaciones en las que los protagonistas aparecen comiendo y bebiendo hasta emborracharse, donde dejan de interpretar la buena imagen formal que pretenden dar y afloran sus sentimientos mas recónditos, normalmente atados al apetito sexual. Y es que en las pelis de Sang-soo se bebe mucho, puede que por el hecho que sea el único momento en que la persona puede desatar sus pasiones frustradas y adquiera esa humanidad que carece en estado de sobriedad.

Todo esto podemos verlo en "la mujer es el futuro del hombre", donde dos amigos (uno director de cine soltero y el otro profesor de arte casado) deciden encontrarse después de una larga temporada sin verse. Ambos desean la misma mujer, pero con distintas connotaciones; mientras que el director pretende recuperar un amor idílico y pasado, el profesor de arte desea saciar su apetito sexual para salir de su rutinaria vida conyugal. Como cabe esperar, el director de cine es el principal perdedor, aunque el hombre casado, una vez realizadas sus expectativas sexuales, ve como tampoco le hace llenar ese vacío de monotonía. De cualquier manera, la mujer sale victoriosa de esta trama emocional, puede que porque tenga una inteligencia emocional superior o porque, al fin y al cabo, la mujer es el futuro del hombre.

Affair in the snow

Película de uno de los de los directores japoneses más incomprendidos de su época, Yoshishige Yoshida que, pese a renegar del término "cine de autor" ofrece un estilo muy personal, visualmente libre de formas antes vistas.
En Affair in the snow, nos presenta un entorno nevado, blanco y puro, en el que se entremezclan amor, desamor y celos. Yuriko ya no quiere a su novio, por eso decide romper la relación. El novio (Sugino), incapaz de comprender, sospecha de un amante, causante de tal ruptura. El amante aparece, pero no es amante sino que lo fue. Pese a ello, renace en Sugino sentimientos de amor hacía la persona que quiere, pero también nacen los celos, antes desconocidos para él.
El drama está servido, y Yoshida nos lo muestra con una cámara a veces fija y otras veces flotando, otorgando a cada escena una poesía visual de aquello que normalmente suele ser dulce, pero esta vez sabe a amargo.

The Brown Bunny

voy a inagurar mi blog con la que es, ahora mismo, la película de mi vida, The Brown Bunny.
En ella, el protagonista (Vincent Gallo) emprende un viaje con su furgoneta a ninguna parte, un viaje para huir de aquello que le atormenta y no le deja salir de esa espiral de melancolía. Imagenes que nunca dejarán de perseguirlo, impidiendole esbozar una mísera sonrisa a lo largo de toda la película.
Vincent está enamorado, enamorado de unos recuerdos que ya no volverán a ser y que, aunque intente reemplazarlos, sabe que aquello fue único e inalcanzable, condenandolo a una tristeza perpétua.
Película muy criticada en su estreno por una escena explícita de sexo, tachada de pornográfica. Incapaces de comprender el contexto y la mente del protagonista, tales críticos son guiados por una serie de prejuicios que los limitan a entender la secuencia aisladamente, sin poder ver realmente la demostración de amor auténtica que supone, muy pocas veces alcanzada en el cine.