The Turin Horse (Béla Tarr, 2011)

Vivir su vida (Jean-Luc Godard)

El árbol de la vida

"si no sabes amar y no eres bueno con los demás la vida pasa como un destello". Amar a Dios en un sentido global, pues Él es el creador del todo y todo es Dios. Amar la caricia del centeno en las yemas de las manos, amar el tacto del césped en la planta de los pies, amar la sensación del agua fluyendo por tus tobillos y amar todo abrazo y contacto físico con tus seres queridos. La naturaleza como el estado más próximo a la vida y a Dios, frente a la pérdida de identidad y del rumbo hacia la verdad, rodeado de gente codiciosa, de objetos sin vida y de rascacielos que impiden los rayos del sol, el Sol representado como a Dios, siempre presente en las secuencias de su infancia, dándole calor, protegiendolo.

Como se revela en Los Demonios, de Dostoievski, y se plasma en el árbol de la vida; si amas ,todo es bueno, todo. Son buenos los sermones de un padre a veces excesivamente estricto, pues en la ausencia de su lucha moralizadora puedes caer facilmente en el pecado. Son buenos los celos hacia tu padre y hacia tu hermano, pues luego descubres el amor auténtico hacia ellos y lo ciego que habias estado antes. Y es bueno hasta la pérdida de un ser querido, pues despiertas del letargo en el que has caído sin rumbo para volver a la vida, en su esencia.

Si no sabes amar la vida pasa como un destello, si no se siente nada viendo El arbol de la vida posiblemente yazca ya la alma sin vida.

Avance SITGES 2011

El 6 de octubre vuelve el festival más glamuroso de cine de Catalunya, El Festival Fantastico de Sitges, dedicado en esta 44 edición a la inteligencia artificial. Ya tenemos el avance de la programación, para que se nos haga la boca agua con cosas tan apetitosas como:

ARIRANG, de Kim Ki-Duk: El director coreano de moda esta en horas (muy) bajas, pero todos conocemos su potencial de sus primeras obras, por lo que siempre hay que tenerlo en mente.

HANEZU, de Naomi Kawase: Moviendose entre el documental social y la ficción, Kawase dota a sus peliculas de una sensibilidad y poesia que la hacen única. Esta vez nos narra la historia de un triangulo amoroso

THE DAY HE ARRIVES, de Hong Sang-soo: El director coreano nos trae los temas siempre recurrentes en sus peliculas; el encuentro con antiguos conocidos, el triangulo amoroso, las comidas con mucho alcohol para abrir en sus personajes sus sentimientos más reconditos y, por encima de todo, la diseminación entre las relaciones humanas.

THE TURIN HORSE, Béla Tarr: La poesia en una imagen, en un plano y en las facciones de cada protagonista, Bela Tarr es por encima de todo un autor visual, complementado siempre con la fantástica aportación músical de Mihaly Vig y el trasfondo metafisico y filosófico, esta vez narrando un passaje de Nietzsche.

VAMPIRE, de Shunji Iwai: Iwai es mi debilidad, y pese a que en esta última obra parece que haya caído en la moda de films de vampiros, tengo que reconocer que es la pelicula de este festival que más ilusión me hace.

Casa Asia Film Week

Nos despedimos con buen sabor de boca del D'A, pasando por un festival de Quebec con muy poco interés y damos la bienvenida al "Casa Asia Film Week", del 6 hasta el 12 de junio. Repasada la programación podemos destacar, por encima de lo puramente comercial, a Jia Zhang Ke con "I wish I Knew" i a Brillante Mendoza con "Kinatay". Ambos un poco en baja forma pero aún así os recomiendo las dos; la primera siendo un documental al más puro estilo Wang Bing en "He Fengming" y la segunda la recomiendo a ciegas, pues aún está por ver.
Por mi parte las que despiertan en mí más interés y seguramente van a caer son:

A better tomorrow (Song Hae-sung): El drama-romance coreano de toda la vida pero con cierto toque que lo distancia de demás directores y es que y al menos en sus trabajos anteriores, centra el romance en lo incómodo, lo moralmente prohibido o lo imposible.
Haru's journey (Masahiro Kobayashi): Sin haber visto nada del director, el único reclamo para ésta es que el protagonista sea ni más ni menos Tatsuya Nakadai, el más grande del cine nipón clásico junto a Toshiro Mifune

Man From Nowhere (Lee Jeong-beom): Ésta a recomendación de un amigo, desconozco la pelicula pero me fio de su criterio.

The Stool Pigeon (Dante Lam): Puro thriller de hong-kong, entretenimiento asegurado sin tener que ir a buscar más allá

Don't go breaking my heart (Johnnie To): Johnnie To es especialista en thrillers y cine yakuza, aunque esta vez nos presente esta obra en forma de comedia romántica. La verdad es que hecha un poco para atrás, pero se le puede dar una oportunidad.

de momento hasta ahí es todo, dejo enlace de la programación para los interesados:

http://www.casaasia.es/documentos/cafw_programa.pdf

D'A 2011

La verdad es que este festival ha estado muy bien. Buena organización, buena compañia, kebabs con prisas y, por supuesto, buenas peliculas. Así que nos despedimos con pena del BAFF, que nos ha brindado durante muchos años de lo mejor del cine asiatico, y damos la bienvenida al cine de autor, con la esperanza que dure muchos años. Ahi va una pequeña reseña de lo que se vio:

Oki's Movie: último trabajo del coreano HHH, que sigue su línea tanto en forma como en contenido. En cierta manera siempre hace la misma película pero qué importa si lo hace brillantemente. Tal como comentó Albert Serra, la jerarquía entre personajes y entre sexos es vital para poder entender a nuestros protagonistas.

Cold Fish: Ahora vamos con Sion Sono, pasamos al género gore con pinceladas cómicas mezclado con ciertos toques de "pinku" japones. Sono cada vez va más al "extremo" perdiendo su inicial originalidad para dar paso a ese morbo de la violencia y el sexo, lo que deja un poco en descubierto las limitaciones del director. De todas formas es una película más que entretenida, pero sin llegar al nivel de Noriko Dinner's Table, Suicide Club y hasta Love Exposure

Le père de mes enfants: Creo que lo más destacado de este film fue oir a la directora presentando a la película. Cierto que pretende darle ese toque de Autor pero creo que en su propia intencionalidad se ve un poco forzada. El argumento tampoco acaba de abarcarlo bien, y si saber muy bien como redondearla, añade otros temas que poco aportan a la historia principal.

The Saddest music in the world: Sin duda la gran sorpresa del festival. Guy Maddin es un director único en su forma y por sobre de todo muy atrevido, ofreciendonos un cine que practicamente tiene salida nula para el público contemporaneo. Lo más normal si dices que vas a ver una peli canadiense en blanco y negro y con una estética propia del cine expresionista alemán de los años 20 es que te ganes el título de freak de por vida, así que lo mejor es no decir nada. Además Maddin tiene una originalidad en sus películas que da gusto, parece que no haya perdido esa imaginación que tenemos todos cuando apenas llegamos a los 10 años.

El extraño caso de Angélica: Y para finalizar la guinda del pastel. No dudaria ni un momento en poner a Oliveira entre los 5 mejores directores de la actualidad. Creo que es mejor no decir nada de ésta y que la descubrais viendola. La mejor señal fue que la gente abandonaba la sala antes de terminar un film, y no hay mejor reclamo para saber que vas a ver una obra maestra.

Como apunte final añadir que la mejor pelicula del festival fue (lógicamente) para Meek's Cutoff que, sin haberla visto, puedo garantizar que es de obligada visión, pues todo lo que he visto de Kelly Reichardt es FANTASTICO.

El curioso caso de Angélica

Manoel de Oliveira, pese a sus 102 años, tiene la cabeza bien lúcida y no hay mejor prueba que ver su último trabajo, El curioso caso de Angélica. Por encima de todo es una historia de amor imposible, a modo de cuento de hadas, pero tal y como nos introdujeron hay mucho más para ir rascando y encontrando detalles que van perfilando la mente del director.

Llegados a este punto hago un pequeño inciso para citar a Goddard, cuya percepción del cine es tal que "La fotografía es verdad y el cine es verdad 24 veces por segundo". Esto es vital para entender a nuestro protagonista. Él es fotografo y descubre, a partir de una sessión de fotos, una realidad (verdad) antes imposible para él. A partir de este punto la realidad tal y como siempre la había percibido deja de ser tal, para dar paso a su otra realidad, representada en sueños y fantasias encerradas en el marco de una foto, donde aparece el amor idílico.

Hay un paralelismo que nos invita a pensar que la realidad en la que acaba creyendo nuestro héroe es la auténtica, mientras que su entorno vive en una falsa realidad, y esto convierte la película en algo totalmente mágico. Se trata en la obsesión que tiene en fotografiar a los campesinos trabajando la tierra con el esfuerzo de sus propias manos. Esto la casera no lo entiende, dice que "ahora este trabajo a pasado a manos de las máquinas, que no tiene sentido fotografiar algo que ya está dejando de ser el presente". Él replica que es justamente ese valor tradicional lo que quiere y, en el fondo, encontrar esa realidad en las fotos, sentir en tales el esfuerzo humano y la melodia de sus herramientas trabajando la tierra. Él sueña con esta "melodia" hasta que despierta oyendo el ruido de las maquinas, que acabarán sustituyendo irremisiblemente esa tradición. Todo esto lo vemos exactamente con su amor imposible con Angelica; ve esa realidad en la foto hasta llegar a enamorarse de ella, sueña con ella mientras siente que esta realmente vivo, hasta que despierta y vuelve a habitual realidad que cada vez lo es menos, hasta que deja de serlo completamente.

Para acabar, a tener en cuenta el fantástico aunque poco esperanzador final. En él aparece la habitación de nuestro protagonista, que ya ha escogido el camino sin retorno de la realidad de Angelica, mientras que el resto quedan conmocionados, incapaces de desenmarañar el viaje que ha hecho hacia la verdad. Entonces vuelve a oirse, a través del balcón, esa melodia de los campesinos arando la tierra, ese grito de esperanza hacia la auténtica realidad del factor humano. Impasible, la casera cierra los ventanales para no oír esa música, quedando su mente cerrada y la habitación en completa oscuridad.

D'A 2011

Inaguramos esta entrada con la triste notícia de quedarnos este año sin el festival de cine asiático de Barcelona, que tan buenas obras nos ha dejado en las últimas ediciones, dejando atrás lo mejor del cine nipón, de la mano de Kitano y Miike hasta el cine más prometedor de las nuevas oleadas de cine malayo e indonesio, con Raya Martin y Diaz al frente. A pesar de ello este año se inagura otro festival que promete, cuanto menos, muy buen sabor de boca. Es por ello que pondre lo más tentador de este festival y que ninguna persona con cierta ambición de cine no debería perderse, por orden de preferencia:


1)Meek's Cutoff (Kelly Reichardt)


2)Le père de mes enfants (Mia Hansen-Love)


3)Outrage (Takeshi Kitano)


4)Tokyo Sonata (Kiyoshi Kurosawa)


5)Essential Killing (Jerzy Skolimowski)



*Con mención especial a la retrospectiva dedicada a Guy Maddin, autor del GENIAL corto "The Heart of the World".

Cannes 2011

Películas a seguir para el próximo festival de Cannes;

• 1. Phillipe Garrel, Un Été Brûlant
• 2. Nicolas Klotz, Low Life
• 3. Terence Davies, The Deep Blue Sea

• 4. Pedro Almodóvar, La piel que habito
• 5. Bertrand Bonello, L'Apollonide
• 6. Aki Kaurismaki, Le Havre

• 7. Rabah Ameur-Zaïmeche, Les Chants de Mandrin
• 8. Frederick Wiseman, Crazy Horse
• 9. Terrence Malick, Tree of Life

• 10. Aleksandr Sokurov, Faust
• 11. David Cronenberg, A Dangerous Method

pd, la lista no es mia, pero no podria estar mas de acuerdo. Quizás hubiese añadido la nueva de Woody (Midnight in Paris) y la de Brillante Mendoza (Captured), pero por lo demás, perfecto.

Inland Empire

Lynch no es un director que deje a nadie indiferente, entre los que lo tachan de que sus pelis sean un sinsentido de principio a fin y los que lo alaban por pretender estar en la ola de la vanguardia cinematografica. Es por ello que voy a dar 4 o 5 pistas sobre la interpretación que he ido desenmarañado después de un visionado y medio, claro que siempre desde un punto de vista propio, abierto y con un poco de imaginación:

1) secuencia inicial. Gramófono. Suena Axxon N. "the longest-running radio play in history..." concepto de infinito y de bucle, a tenerlo en cuenta a lo largo de todo el largometraje

2) Prostituta polaca. Llora en su habitación, mientras visiona la película de Nikki, viendo en ella su reflejo y salvación.

3) Chulo pide "acceso" a una entrada, siendo ésta el mundo de Nikki, entrada en la dimensión de la ficción, para detener sus intentos de persecución y salvación de la prostituta.

4) Entramos en la dimensión de Nikki. Una vecina la visita y le advierte con 2 cuentos; en uno un niño (o niña) saldrá al portal de su casa y verá su reflejo (referencia a la prostituta y nikki) y este reflejo será su parte malvada, que la perseguirá hasta encontrarse con ella (secuencia final del film en que se encuentran). En el otro cuento una chica, mientras esta detrás del "mercado" verá la entrada en el gran palacio (entrada a la 3a dimensión, cuando Nikki, interpretando a Sue en su pelicula, se funden, alteran y confunden ambas dimensiones). En la secuencia que hace referencia, Nikki va con el coche y ve en la señalización de Axxon N. (concepto de bucle), una vez entra ya ha pasado a otra dimensión, viendose ella misma mientras ensaya el guión de la peli.

ahí lo dejo, con eso es suficiente para ir siguiendo e interpretando sin ir tan perdido.

Solo hay que tener en cuenta un par de cosas y son las 3 protagonistas principales (prostituta, Nikki y Sue) ambas siendo la misma persona pero jugando en dimensiones distintas, a priori intocables entre ellas, pero gracias a la "magia" (como cita la vecina polaca) se van fundiendose entre ellas.

Top 20 cine de esta década pasada

espero que os guste, todas son absolutamente imprescindibles, sin orden de preferencia. Por supuesto, todas a criterio personal, se admite todo tipo de crítica o sugerencia.,


Uncle Boonmee (2010) Apichatpong Weerasethakul
Copia certificada (2010) Abbas Kiarostami
Man with No Name (2009) Wang Bing
Yuki & Nina (2009) Nobuhiro Suwa, Hippolyte Girardot
Independencia (2009) Raya Martin
Singularidades de una chica rubia (2009) Manoel de Oliveira
Imburnal (2008) Sherad Anthony Sanchez
Still Walking (Caminando) (2008) Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Melancholia (2008) Lav Diaz
El bosque del luto (2007) Naomi Kawase
Síndromes y un siglo (2006) Apichatpong Weerasethakul
El Nuevo Mundo (2005) Terrence Malick
Un couple parfait (2005) Nobuhiro Suwa
The Brown Bunny (2004) Vincent Gallo
Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003) Wang Bing
Shara (2003) Naomi Kawase
Placeres desconocidos (2002) Jia Zhang Ke (AKA Jia Zhangke)
Todo sobre Lily (2001) Shunji Iwai
Mulholland Drive (2001) David Lynch
Inocencia salvaje (2001) Philippe Garrel

¿Dónde yace tu sonrisa escondida?

Buñuel cuenta en su libro
una historia terrible.

Un día, su hijo le dice que
hay alguien a quien tiene que conocer,

Nicholas Ray.

Y una noche, Buñuel fue
a cenar con Nicholas Ray.

Y cuenta que Nicholas Ray le
dice la cosa más espantosa

que nunca había oído sobre el cine.

Le dijo que, en Hollywood,
si buscas hacer carrera,

está excluido que
la película que vayas a hacer

cueste menos que la película
que acabas de hacer.

Ha de haber crecimiento,
desarrollo...

Buñuel oyó eso y le pareció
Que era el fin del mundo.

Masculin Fémenin

Íbamos a menudo al cine.

Nos estremecíamos al
ver la pantalla.

Pero la mayoría de las veces
al final nos decepcionaba.

Las imágenes iban y venían
y Marilyn había envejecido.

Estábamos tristes. No era
la película que soñábamos.

I'm Here

Spike Jonze, siguiendo su fiel estilo entre lo hipnótico y el videoclip, hace que volvamos a creer en el cine con I'm Here, aunque sea por solo 30 minutos. Con "Donde viven los monstruos" volvimos a ser niños durante 1 hora y media, ahora con este regalo en forma de mediometraje volvemos a creer en el amor bajo una estética futurista y robotizada, pero a su vez más humana que nunca.

Ambientada en una sociedad donde humanos y robots conviven pacíficamente, éstos últimos tienen algunas límitaciones como dedicarse a trabajos que el ser humano ya no desea hacer o bien no poder conducir automóviles, tal y como protesta una mujer humana desde la parada del autobus. Pese a esa carcasa de metal y cables, que los identifica y limita ante la sociedad, existe una ilimitada capacidad de sentir y de amar, y así nos lo demuestran nuestros protagonistas. Pasean por el bosque, hacen tonterias, van a un concierto y se cruzan miradas comprometedoras, tal y como lo haría una pareja que se impregna de esa sensación antes desconocida, con cierto temor ante lo nuevo pero dejandose llevar por la mgia del momento.

Les Enfants du paradis

- "Y ahora...¿Estás triste?"

- "No, pero tampoco estoy alegre.

...En la caja de música
se ha roto un muellecito.

...El aire sigue siendo el mismo,

...pero la música ha cambiado."

Le Petit Soldat

"Es extraño, hoy todo el mundo detesta a los Franceses.

Yo me siento muy orgulloso de ser francés.
Pero también estoy en contra del nacionalismo;
uno defiende ideas, no territorios.
Amo Francia porque amo las películas de Bellay...y de Luis Aragón.
Amo Alemania porque amo Beethoven.
No amo Barcelona a causa de España...
pero amo España porque una ciudad como Barcelona existe."




pd. sigo con Le petit soldat, con Godard y con este genial monólogo final..

Le petit soldat

- ¿Por qué no dices algo?

- No sé que decir.

- Dime mentiras. Di que no estás triste de que me vaya.

- No estoy triste de que te vayas...

...No estoy enamorada de ti.

...No me reuniré contigo en Brasil.


...No te besaré tiernamente.

JLG

Kagemusha

La representación del fin de un ciclo para la entrada de otro nuevo; en esta película Kurosawa se despide del estilo que lo convirtió en uno de los grandes del cine, cual era samurai se acaba con la entrada de la pólvora, y ve que sus katanas, estandartes y filosofia ya no sirven. Esto es lo que nos enseña Kagemusha, el fin de una era de la cual Kurosawa era un gran admirador, aunque desde una óptica distinta a la que todo seguidor suyo puede estar acostumbrado; esta vez no focaliza la historia en el gran heroe samurai, normalmente encarnado con Toshiro Mifune, sino que el centro radica en el grupo, en los batallones que van y vienen a lomos de caballos (otro guiño a una de las pasiones de Kurosawa) para conquistar el castillo del clan rival. Es dificil, por ello, situarse o identificarse con algo, pues no hay ese personaje con el que el espectador pueda empatizar y "sentirse cómodo" dentro del film, además de suponer un pequeño caos de nombres y clanes que se entremezclan, con lo cual puede crear confusión en determinados momentos.

Aunque la puesta en escena sea brillante, cuidando absolutamente todos los planos y detalles, se puede detectar la occidentalización que ha sufrido "gracias" a la producción por parte de Coppola y Lucas (admiradores declarados del director nipón) que no hace mella en la calidad, sino que le da otra tonalidad que es, cuanto menos, interesante de ver.

Le Mépris

"- He estado pensando que

Camille me podría dejar.

Pienso en ello como

un posible desastre.

Ahora el desastre ha ocurrido.

Antes, todo ocurría como en una nube de inconsciencia,

de complicidad.

Todo se cumplía con una espontaneidad rápida, loca,

encantada.

La conducta de Camille ya no era espontánea, ni la mía.

¿Podría ahora, ser víctima de mis excitados sentidos, observar su gesto frío,

como ella podría sin duda observar el mío?

Ella parecía ser consciente que

una mentira podría resolver las cosas.

Al menos por un tiempo.

Al menos en apariencia." JLG

Koyaanisqatsi*

Apartentemente, y tras media hora de visionado, este documental no pasaría de ser uno de entre otros muchos que pretende enfocar la explotación del hombre sobre la tierra, dando el ya tantas veces repetido mensaje de "salva el planeta verde", con tal de ganarse al publico con esa intención moralizadora. Primero mostrando lo espectacular y lo bello de parajes naturales y virgenes (que se agradece, pues las imagenes lo valen) para hacer luego el giro directo hacia la sobreexplotación de los recursos naturales por el hombre; fábricas, contaminación y destrucción.
Por el momento dejaremos lo que podría entenderse como un truco efectista que busca más sorprender y concienciar al espectador ante tal amenaza, pues a partir de aquí el film va mucho más allá, y aquí estriba lo que para mi es el valor auténtico de la película, acercandose más al documental social, mucho más sutil y mucho más cerca, tan cerca que resulta casi inapreciable para la vista. Usando la analogía entre ciudad y un microchip, mostrando la ciudad como el circuito cerrado donde todas las conexiones (humanas) son dirigidas a un punto determinado e invariable, sin posibilidad de elección ni salida. Levantarse, comer, trabajar en una cinta de montaje, jugar a los videojuegos, volver a comer y dormirse. Ese es el circuito cerrado de tantas personas que viven en la ciudad-microchip, conviertiendo vida en rutina; individualidad en inconsciencia. A pesar de ello, algunas pobres víctimas llegan a descubrir la triste realidad en que están encerrados, a ellos sólo les espera el vacío, las miradas perdidas, desasosiego, la desesperación y hasta la muerte. De esta forma, tal inconsciencia pasa a convertirse en algo medicinal, dejandonos vivir en una feliz ignorancia ante el inevitable proceso de autodestrucción en el que estamos sometidos.

A destacar; muchos planos, de una belleza extrema, entre ellos, el plano final del cohete, es dificil no acabar extasiado con dicha secuencia, que recuerda a la de 2001, en forma e intención. También, destacar la música, es una maravilla, quiza demasiado presente, lo que le otorga demasiado peso a lo largo de la película.




*1. vida loca. 2. vida en tumulto. 3. vida en desintegración. 4. vida desequilibrada. 5. una condición de vida que clama por otra manera de vivir.