La soledad del corredor de fondo

"Correr siempre ha sido muy importante en nuestra família, sobretodo para escapar de la policía . Es difícil de entender, todo lo que sé es que hay que correr. Correr sin saber por qué a través de bosques y campos, y correr sin una meta, aunque la gente te esté vitoreando. Esa es la soledad que siente el corredor de fondo. " Así se nos presenta una de las obras más emblemáticas del free cinema inglés, buscando en todo momento la realidad de lo cotidiano e intentandose alejar en todo momento de la artificiosidad del cine de Hollywood de los años 50.
Colin Smith, nuestro protagonista, también desea alejarse de una sociedad que en todo momento le empuja a integrarse en ella, y es por ello que su unica via de escape será corriendo, vacíando así su mente y poder sentirse libre.
Feroz crítica a la sociedad del exito, que postula que toda carrera tiene una meta y para llegar a ella tienes que correr y esforzarte más que los demás. Si lo consigues, serás vitoreado, sino, serás olvidado. Nuestro inadaptado héroe siente que los vitores no son para él, sino clamores para que forme parte de esas víctimas del sistema. Es por ello que renuncia a esa meta y a todo objetivo en la vida, como Antoine Doinel en los 400 golpes, y así poder correr libre...y solo.

Expiación

...o como hacer cine romántico sin acabar cayendo en la ñoñería, presentando una puesta en escena muy cuidada y una banda sonora en todo momento en sintonía con la imagen. La película gira en torno al terrible e irrevocable error Briony Tallis, una futura escritora de 13 años que, influida por su gran imaginación, ve e interpreta como si ella misma viviese su propia novela. Tallis deberá vivir el resto de su vida condicionada por ese cargo de conciencia y deberá actuar en consecuencia para el bien de los demás. Finalmente será esa imaginación, que hasta entonces fue su perdición, lo que hará que se redima ante las personas que tanto daño les hizo y quede por fin libre de cargo.

A destacar el plano secuencia de la playa que, aunque Joe Wright se sobrepasa, como queriendo presumir de hacer algo realmente complicado (aunque ni mucho menos esto implique que sea bueno), hay que reconocer que no sólo está bien hecho sino que se ajusta perfectamente a la intención del director, es decir, reflejar la miseria de la guerra en una sola toma, sin dejarte apenas parpadear.

La vida de los otros

"¿Puede un hombre escuchar esta música, escucharla de verdad, y ser una mala persona?" dice Dreyman haciendo referencia a "La sonata de un buen hombre". Sensibilizarnos con la música hace que nos sintamos un poco más humanos y, por tanto, tendamos menos al mal, pues ese humanismo estriba en el bien común. Es el caso de Dreyman que, después de suicidarse su mejor amigo, se dota de ese humanismo que carece el sistema totalitarismo de la RDA y por eso se jugará la vida por ese bien común y por la libertad de expresión . Paralelamente tendremos a Wiesler, agente implacable y solitario de la Stasi, cuyo objetivo será desenmascarar a nuestro protagonista, aunque, viendose salpicado por esa dosis de humanidad, sufrirá también una transformación interior que le hará tambalear sobre su intachable trayectoria de espionaje.

Película muy aclamada en su estreno, que recuerda a la grandiosa película de Coppola, "la conversación", resulta interesante de ver para conocer la realidad de la RDA y el control que ejercía la Stasi sobre el pueblo alemán. Personalmente no la consideraria como la gran película que resulta ser, donde lo que destaca más es la actuación (o no actuación más bien dicho, pues la inexpresividad es su principal virtud) de Ulrich Mühe.

Killer of Sheep

Cuando pensamos en los EEUU a veces nos viene a la cabeza la tan conocida frase de "la tierra de las oportunidades", el self made man (hombre hecho a si mismo), donde cualquier persona, sea de la clase social o racial que sea, puede llegar a triunfar.Y esa acostumbra a ser la tónica de las películas que nos llegan desde ese país, pues hay que darse buena publicidad. Pese a ello, la realidad que nos muestra Charles Burnett en The Killer of Sheep es otra bien distinta. La película se centra en un barrio pobre de afroamericanos donde vive nuestro protagonista, el "killer of sheep", pues dedica su vida trabajando en un matadero para mantener a su família humildemente. Para él no existe esperanza o oportunidad de salir de esa pobreza, tan sólo el día a día hasta que llegue el día de su muerte, igual que las ovejas esperan día a día hasta que llegan al matadero, sin posibilidad alguna de salida.

A destacar una de las secuencias más memorables de la película y que haya visto en mi vida en el cine:

http://www.youtube.com/watch?v=Dd0ZkEuXhes

En ésta, la hija canta con esperanza en los labios a ritmo de soul, es pequeña y aún no es consciente de la realidad que le cierne. Por otro lado, la madre se la queda observando con una de las miradas más fulgurantes que ha existido en el cine, incluso superior a la de Chaplin en el final de Luces en la ciudad. Esa mirada habla por si sola y nunca miente, transmite amargura e ilusión a la vez; ilusión por el rayo de esperanza que esta contemplando y amargura porque tal esperanza e ilusión acabarán desvaneciendose irremisiblemente.

Bananas

"De pequeño robé un libro pornográfico escrito en braille. Llegué a borrar los párrafos más verdes de tanto pasar los dedos por encima." Éste y muchos más son los pequeños destellos de humor que la mente de Allen ya empezaba fraguar en Bananas, uno de sus primeros trabajos. Si bien es cierto que aparecen esas notas de ingenio tan características de su cine, también hay otros gags que no acaban de estar a la altura, hasta caer un poco en el ridículo, pero que se le perdona pues su trayectoria era aún muy verde y su estilo poco definido.

Pese a tan temprano trabajo, ya se pueden ver rasgos típicos de su cine, como la obsesión por el mundo judío y por el sexo o la caracterización neurótica que adquiere Allen como actor. También podemos encontrar muchas referencias al cine mudo como la secuencia donde prueba la máquina para trabajar y ejercitarse (recordando a Chaplin en Tiempos Modernos) o bien la secuencia del metro (con cameo incluido de Sylvester Stallone).

En definitiva, es una película entretenida (ideal para desconectar) en la que ya podremos reconocer el estilo inconfundible de uno de los grandes cineastas de humor americano.

Woman is the future of man

En las películas de Hong Sang-soo hay algunos temas que son muy recurrentes a lo largo de su filmografía, hasta el punto en que a uno puede parecerle que esta viendo la misma película con distintos matices. Por ejemplo, el actor que hace de director de cine fracasado, que prolonga dicho fracaso profesional en el campo amoroso, puede que porque tenga una concepción más idealizada o platónica del amor. También son muy frecuentes las situaciones en las que los protagonistas aparecen comiendo y bebiendo hasta emborracharse, donde dejan de interpretar la buena imagen formal que pretenden dar y afloran sus sentimientos mas recónditos, normalmente atados al apetito sexual. Y es que en las pelis de Sang-soo se bebe mucho, puede que por el hecho que sea el único momento en que la persona puede desatar sus pasiones frustradas y adquiera esa humanidad que carece en estado de sobriedad.

Todo esto podemos verlo en "la mujer es el futuro del hombre", donde dos amigos (uno director de cine soltero y el otro profesor de arte casado) deciden encontrarse después de una larga temporada sin verse. Ambos desean la misma mujer, pero con distintas connotaciones; mientras que el director pretende recuperar un amor idílico y pasado, el profesor de arte desea saciar su apetito sexual para salir de su rutinaria vida conyugal. Como cabe esperar, el director de cine es el principal perdedor, aunque el hombre casado, una vez realizadas sus expectativas sexuales, ve como tampoco le hace llenar ese vacío de monotonía. De cualquier manera, la mujer sale victoriosa de esta trama emocional, puede que porque tenga una inteligencia emocional superior o porque, al fin y al cabo, la mujer es el futuro del hombre.

Affair in the snow

Película de uno de los de los directores japoneses más incomprendidos de su época, Yoshishige Yoshida que, pese a renegar del término "cine de autor" ofrece un estilo muy personal, visualmente libre de formas antes vistas.
En Affair in the snow, nos presenta un entorno nevado, blanco y puro, en el que se entremezclan amor, desamor y celos. Yuriko ya no quiere a su novio, por eso decide romper la relación. El novio (Sugino), incapaz de comprender, sospecha de un amante, causante de tal ruptura. El amante aparece, pero no es amante sino que lo fue. Pese a ello, renace en Sugino sentimientos de amor hacía la persona que quiere, pero también nacen los celos, antes desconocidos para él.
El drama está servido, y Yoshida nos lo muestra con una cámara a veces fija y otras veces flotando, otorgando a cada escena una poesía visual de aquello que normalmente suele ser dulce, pero esta vez sabe a amargo.

The Brown Bunny

voy a inagurar mi blog con la que es, ahora mismo, la película de mi vida, The Brown Bunny.
En ella, el protagonista (Vincent Gallo) emprende un viaje con su furgoneta a ninguna parte, un viaje para huir de aquello que le atormenta y no le deja salir de esa espiral de melancolía. Imagenes que nunca dejarán de perseguirlo, impidiendole esbozar una mísera sonrisa a lo largo de toda la película.
Vincent está enamorado, enamorado de unos recuerdos que ya no volverán a ser y que, aunque intente reemplazarlos, sabe que aquello fue único e inalcanzable, condenandolo a una tristeza perpétua.
Película muy criticada en su estreno por una escena explícita de sexo, tachada de pornográfica. Incapaces de comprender el contexto y la mente del protagonista, tales críticos son guiados por una serie de prejuicios que los limitan a entender la secuencia aisladamente, sin poder ver realmente la demostración de amor auténtica que supone, muy pocas veces alcanzada en el cine.